Opera muziek

Venetiaanse opera

De inauguratie begin 1637 van het eerste openbare operahuis, het Teatro di San Cassiano in Venetië - een commerciële onderneming voor een van de rijke koopmansfamilies van de stad - was een andere doorslaggevende factor in de ontwikkeling van opera. Deze gebeurtenis verwijderde uiteindelijk de opera van de exclusieve bescherming van royalty en adel en plaatste het binnen het bereik van alle behalve de armste sectoren van de Italiaanse stedelijke bevolking. Aan het einde van de eeuw beschikte Venetië over negen van dergelijke commerciële theaters, waaronder een aantal gewijd aan opera. Hoewel de theaters niet allemaal tegelijk opereerden, trokken ze toch, en streden ze zelfs, om een ​​binnenlands en internationaal publiek. Zo begon halverwege de 17e eeuw een trend in de richting van percelen met meer sensationele onderwerpen die elementen van intrige, vermomming en misleiding bevatten en die een uitgebreide machine vereisten. De commercialisering van opera leidde ook tot een toename van de invloed van zangers; de opkomst van castrati (mannen die vóór de puberteit waren gecastreerd om het hoge bereik en de zuiverheid van hun jongensachtige stemmen te behouden, nu versterkt door hun volledig volwassen borst); en een bijkomende nadruk op aria's boven recitatief.

Westers theater: Opera

Een van de meest duurzame producten van het Renaissance-theater was de opera. Het is voortgekomen uit experimenten van de Camerata, een Florentijnse samenleving

Een leerling van Monteverdi, Francesco Cavalli, werd de populairste operacomponist van zijn tijd door de operahuizen van Venetië tussen 1639 en 1669 te voorzien van meer dan twee dozijn opera's. Cavalli bracht de libretto's die hij op muziek zette met dramatische kracht en directheid. De bekendste van zijn opera's was Giasone (1649; "Jason"), wiens libretto van Giacinto Andrea Cicognini kluchtige afleveringen bevatte. Cavalli's belangrijkste Venetiaanse rivaal en opvolger was Pietro Antonio Cesti, wiens erfenis een tiental opera's omvat, met name Orontea (1656; libretto van Cicognini). Venetiaanse componisten in de tweede helft van de eeuw waren Antonio Sartorio en Giovanni Legrenzi en in het begin van de 18e eeuw Antonio Vivaldi, die 49 opera's componeerde voor Venetië en andere steden; veel van de opera's van Vivaldi zijn nu verloren gegaan. De dure publicatie van operascores stopte toen het genre eenmaal gevestigd was en de aristocratische bescherming werd stopgezet. De meeste opera's duurden slechts één seizoen, waarna ze werden vervangen door nieuw opgedragen werken. Pas sinds het einde van de 20e eeuw zijn sommige van deze opera's, vooral die van Cavalli, hersteld en nieuw leven ingeblazen.

Venetiaanse opera's waren extravagante aangelegenheden waarin de onwaarschijnlijke plots - een mengeling van komische en serieuze elementen - zich ontvouwden in eenvoudig recitatief, en de aria's kregen een nieuw, lyrisch idioom. Aria's werden meestal in strofische vorm gegoten (coupletten gezongen op dezelfde muziek) en vloeiende drievoudige meter (beats in groepen van drie), en sommige hadden repetitieve baspatronen (ostinato's of grondbassen) die de expressieve hoogtepunten van de plot verlengden. Venetiaanse componisten ontwikkelden onderscheidende stijlen en vormen voor de vele solo-aria's en duetten en besteedden weinig aandacht aan het refrein, dat een meer prominente rol had gespeeld in Florentijnse hofproducties en belangrijk bleef voor hun Romeinse tijdgenoten. De resulterende scheiding tussen recitatief en aria en de daarmee samenhangende focus op solozangers werden de komende 200 jaar karakteristieke kenmerken van opera. Bovendien nam het aantal aria's in een opera geleidelijk toe - van ongeveer 24 in het midden van de 17e eeuw tot meer dan 60 in 1670. De Florentijnse (en Monteverdiaanse) kijk op de muziek van een opera als onafscheidelijk van poëzie en drama werd al snel omgedraaid door de smaak en wensen van het betalende Venetiaanse publiek, dat de visuele elementen van decors en kostuums genoot, meer genoot van muzikale uitwerking dan van meeslepende dramatische structuur, en zorgde voor een sfeer waarin rivaliteit bloeide tussen operabedrijven en onder hun goed betaalde sterzangers.

Ontwikkeling van operastijlen in andere Italiaanse steden

Verschillende andere Italiaanse steden ontwikkelden al snel herkenbare operastijlen in de 17e eeuw. In Rome, waar rijke prelaten fervente sponsors van opera werden, breidden librettisten het scala aan onderwerpen uit met legendes van heiligen. De meeste Romeinse componisten uit die tijd, zoals Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi en Michelangelo Rossi, volgden de Florentijnse traditie door voor elke act vocale ensembles en koorfinales (met dansen) op te nemen. Ze weken af ​​van de Florentijnse stijl door het contrast tussen de aria's en de recitatieven te vergroten, waardoor de aria's de dramatische continuïteit konden onderbreken en de recitatieven muzikaal spraakzamer en minder interessant maakten. Ze gebruikten ook komische afleveringen om overheersend tragische verhalen te verlichten (zoals de Venetianen) en introduceerden instrumentale ouvertures en ouverture-achtige stukken voorafgaand aan acts of secties van acts.

Twee Romeinse componisten - Mazzocchi's broer Virgilio en Marco Marazzoli - worden vaak genoemd als de eerste volledig komische opera, Chi soffre speri (1639; "He Who Suffers, Hopes"). Het libretto is geschreven door Giulio Cardinal Rospigliosi, die in 1667 tot het pausdom zou worden verheven als Clement IX. Het beroemdste libretto van Rospigliosi, Sant 'Alessio (1632; "Saint Alexis"), kreeg een setting van Landi, waarvoor een cast van uitsluitend mannen nodig was, waaronder castrati in vrouwelijke rollen - een ander kenmerk van opera in Rome, waar vrouwen niet waren toegestaan zingen op het podium. De opera werd aan het einde van de 20e eeuw met succes nieuw leven ingeblazen, met een nieuw soort hoogopgeleide, virtuoze countertenors die de rollen op zich namen die oorspronkelijk bedoeld waren voor castrati.

Opera was ook een belangrijk onderdeel van het muzikale leven in Napels, waar halverwege de 17e eeuw het eerste permanente operahuis van de stad werd opgericht, het Teatro San Bartolomeo. Rond 1700 wedijverde Napels met Venetië als centrum van de Italiaanse opera, grotendeels dankzij de werken en invloed van Alessandro Scarlatti, die zijn reputatie in Rome had opgebouwd. Scarlatti schreef tussen 1684 en 1702 minstens 32 van zijn 66 ​​opera's voor San Bartolomeo, voordat hij door de Spaanse Successieoorlog (1701–14) naar Rome terugkeerde. Van zijn opera's vertegenwoordigt La caduta de 'Decemviri (1697; "The Fall of the Decemvirs") - op een libretto van Silvio Stampiglia dat maar liefst 62 aria's bevat - Scarlatti op het hoogtepunt van zijn theatrale carrière. Hij bleef opera's schrijven voor Rome, Florence en Venetië, voordat hij in 1709 terugkeerde naar Napels. Daar begon de stijl van zijn opera's echter achterhaald te zijn.

Een neoklassieke beweging in opera, ontstaan ​​in Venetië aan het einde van de 17e eeuw, begon libretti van komische scènes en personages te zuiveren en om eenvoudiger plots te eisen, gebaseerd op de tragedies van de Franse toneelschrijvers Pierre Corneille en Jean Racine, die verheven taal gebruikten en handhaafde het klassieke ideaal van eenheid van tijd, plaats en actie, wat vereiste dat het libretto één enkele plot had die op één dag en binnen één enkele plaats of setting plaatsvond. Deze waarden werden weerspiegeld in een type opera dat bekend staat als een opera seria (meervoud: opere serie), of 'serieuze opera', in tegenstelling tot een operabuffa (meervoud: opere buffe) of 'komische opera'. Scarlatti's opere-serie is voorbeeldig in het gebruik van uniforme plots met minder dan 10 karakters, wiens gevoelens en persoonlijkheden worden uitgedrukt in een reeks da capo-aria's, een soort aria die vooral wordt geassocieerd met de Napolitaanse opere-serie. De da capo aria was een grootschalige vorm in drie secties (ABA), waarbij de derde de eerste herhaalde 'vanaf de capo of het hoofd' - dat wil zeggen vanaf het begin. De vorm bestond uit een pittig, rijmend gedicht, waarvan het hoofdidee werd gevangen door een of twee karakteristieke muzikale motieven die werden uitgebouwd tot een uitgebreide solo vol muziek en tekstherhalingen omlijst door instrumentale ritornelli. Het doel van de componist in elke aria was om een ​​of twee emoties uit een breed scala van passies weer te geven om een ​​muzikaal portret te vormen van de gemoedstoestand van een bepaald personage op dat moment in de actie - een functie die lijkt op die van de actie - stop vandaag filmische close-up. Scarlatti gaf zijn aria's een ongewone kwaliteit en diepte en voorzag ze van rijke en gevarieerde instrumentatie.

Opvallend onder de directe opvolgers van Scarlatti waren componisten als Nicola Porpora, Leonardo Vinci en Leonardo Leo. Deze generatie werkte vaak samen met de dramatische dichter Pietro Trapassi, bekend als Metastasio - misschien wel de grootste van de 18e-eeuwse librettisten, wiens werken tot ver in de 19e eeuw door ongeveer 400 componisten werden gespeeld. Metastasio en zijn Venetiaanse voorganger Apostolo Zeno schreven teksten van formele schoonheid en taalkundige helderheid voort, waarbij ze de libretto's baseren op de Grieks-Romeinse legende en pseudogeschiedenis, met plots die draaien rond mensen als Dido, Alexander de Grote en Titus in plaats van mythologische helden. plechtig voor plechtige, meestal tragische onderwerpen (opera seria) in drie bedrijven boven komische afleveringen en personages.

De term Napolitaanse opera betekende, naast de associatie met opera seria, ook een lichte, indringende stijl, soms galant genoemd, die was gebaseerd op de voorgrond van sierlijke vocale melodieën, gepresenteerd in symmetrische, gebalanceerde frases. Deze melodieën stonden tegenover een eenvoudigere begeleiding die vrij was van de stuwende ritmes van eerdere aria's (uit de barokperiode, ongeveer overeenkomend met de 17e en vroege 18e eeuw) en die eerder ondersteunde dan concurreerde met de stem. Veel van de kwaliteiten die in verband werden gebracht met de zogenaamde Weense klassieke stijl van de 18e eeuw - vooral de instrumentale muziek van Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart en Ludwig van Beethoven - hadden hun oorsprong in de tuneful vocale stijl van de Napolitaanse opera.

Tegen 1730 was de Italiaanse opera, soms in vertaling, gearriveerd in ongeveer 130 Europese steden en dorpen, van Kopenhagen tot Madrid en van Londen tot Moskou. De steeds stijvere en ondramatische conventies van opera seria leidden tot kritiek - zoals de bijtende satire Il teatro alla moda ("Theater à la Mode"), gepubliceerd in 1720 door de Venetiaanse componist-dichter-staatsman Benedetto Marcello. De basiselementen van recitatief en aria, incidentele ensembles en refreinen bleven tot op de dag van vandaag behouden, hoewel hun verhoudingen in verhouding tot elkaar varieerden. In de 18e eeuw was de Italiaanse opera echt een internationaal medium en het enige voertuig waarmee een succesvolle componist roem en fortuin kon verwerven.