Koto muziek
Scholen en genres
De koto, een 13-snarige citer met beweegbare bruggen, wordt genoemd als een van de basisinstrumenten van de hofensembles en als een gemeenschappelijke culturele uitrusting voor hofdames. De ontwikkeling van onafhankelijke solo- en kamermuziekgenres voor dat instrument wordt duidelijker naarmate men de Muromachi-periode binnengaat (1338–1573). De vroegst overgebleven school voor solo-koto-muziek is Tsukushi-goto. Het werd voor het eerst opgemerkt in de late 16e eeuw op het eiland Kyushu, waar door de eeuwen heen vluchtelingen en ballingen uit het hof bijeenkwamen tijdens omwentelingen in Kyōto. Eerdere Chinese invloeden worden ook geclaimd als onderdeel van de creatie ervan, hoewel historische feiten onduidelijk zijn. Tsukushi-goto repertoire zou beginnen met varianten van imayō-hofliederen. Sets van liederen werden begeleid door de koto en soms door de drie-snarige geplukte samisen (shamisen in het dialect van Tokio). De sets werden kumiuta genoemd, een term die op veel van de daaropvolgende kamermuziek werd toegepast. De 16e-eeuwse priester Kenjun wordt gecrediteerd voor de oprichting van de school en de eerste composities. De traditie werd seculierer toen ze in Edo verscheen. Daar ontwikkelde een 17e-eeuwse blinde muzikant genaamd Jōhide, die een student was van Hōsui, zelf een student van Kenjun, zijn eigen versie van dergelijke muziek. Hij voegde composities toe in meer populaire uitdrukkingen en toonladders, noemde zichzelf Yatsuhashi Kengyō en richtte de Yatsuhashi-school voor koto op. De titel Yatsuhashi werd later aangenomen door een andere ogenschijnlijk niet-verwante school in het uiterste zuiden van de Ryukyu-eilanden.
Extra scholen van populaire of 'vulgaire' koto (zokuso) weerspiegelden het handelsleven van de nieuwe Tokugawa-periode (ook wel Edo genoemd) (1603–1867). In 1695 was Ikuta Kengyō een andere uitbreiding van Kenjun's koto-traditie van de derde generatie, die zijn Ikuta-school begon. De term kengyō was een van de basisgroepen van muzikanten onder het gildesysteem en wordt daarom vaak gevonden in professionele namen, maar de naam Ikuta bleef een van de belangrijkste bronnen van koto-muziek tot de oprichting van nog een andere school door Yamada Kengyō (1757-1817). In het huidige Japan blijven de scholen Ikuta en Yamada populair, terwijl de eerdere tradities aanzienlijk zijn vervaagd. Beide scholen hebben beroemde componisten geleverd en er zijn verschillende stukken van hun scholen, evenals enkele eerdere werken, die nu door de gilden worden gedeeld als onderdeel van het klassieke repertoire van de koto. De iets langere en smallere vorm van de Ikuta koto produceert een toon die gemakkelijk te onderscheiden is van die van de Yamada-school.
Koto-muziek staat algemeen bekend als sōkyoku. In de koto solo instrumentale muziek (shirabemono) is het belangrijkste type de danmono, een variatiestuk in verschillende secties (dan), elk normaal met een lengte van 104 tellen. De term voor koto kamermuziek, sankyoku, betekent muziek voor drie. De standaard instrumentatie van vandaag bestaat uit een koto-speler die ook zingt, samen met artiesten op een drie-snarige geplukte samisen luit en een end-blown shakuhachi fluit. Vroeger werd een gebogen variant van de samisen, de kokyū genoemd, vaker gebruikt dan de fluit. Het basisgenre van kamermuziek heet jiuta en combineert de eerdere kumiuta-traditie van begeleid lied met instrumentale muziek door secties af te wisselen met zang (uta) en instrumentale intermezzo's (tegoto). Na de 19e eeuw werd vaak een tweede verfraaiend koto-gedeelte (danawase) toegevoegd aan de instrumentale intermezzo's. Hieronder worden twintigste-eeuwse innovaties behandeld.
Stemmingen en notatie
Elke school van koto-muziek van de hoofse traditie tot nu brengt veranderingen in de structuur van de instrumenten met zich mee, evenals veranderingen in de speelwijze en notatie. De oude hofkoto (gaku-so) lijkt op de moderne koto en wordt gespeeld met plectrums (tsume) op de duim en de eerste twee vingers van de rechterhand of met blote vingers, hoewel, in tegenstelling tot de Ikuta- en Yamada-stijlen, de linker hand wordt niet gebruikt om de toon te veranderen door op het touwtje aan de andere kant van de beweegbare bruggen te drukken. De notatie bestaat voornamelijk uit de namen van basispatronen naast af en toe melodische fragmenten en de tekst. Het voortbestaan van dergelijke muziek is afhankelijk van een voortdurende levensvatbare rote-traditie; daardoor gaat de meeste traditie verloren.
De stemmingen van de 13 snaren van de court koto zijn afgeleid van de modi van de ryo en ritsu toonladders uit de eerdere periodes. De stemmingen die in de Edo Koto-tradities worden gebruikt, onthullen echter nieuwe, schijnbaar inheemse, tonale systemen. Die concepten werden uiteindelijk gecategoriseerd onder de twee schalen genaamd yo en in. De hira-joshi-afstemming verschijnt in beroemde vroege werken als Rokudan (Six Dans) toegeschreven aan Yatsuhashi Kengyō, de 'grondlegger' van de moderne koto-stijlen. In totaal zijn er zo'n 13 standaard afstemmingen voor de koto en vele varianten. Net als alle andere populaire Japanse muziek uit de 17e eeuw, zijn die koto-stemmingen ofwel gebaseerd op de oudere traditie die gedeeltelijk in de yo-vorm bewaard is gebleven, ofwel op de meer "moderne" schaal. Men kan af en toe stukken uit de 19e eeuw opmerken die opzettelijk in de vorige gagaku-stijl zijn geschreven, evenals het gebruik van de Holland-stemming (oranda-choshi), de westerse grote schaal die is afgeleid van de Nederlandse zakenwijk op Deshima in Nagasaki. Desalniettemin blijft het jojo-systeem de fundamentele tonale bron voor nieuwe Japanse muziek vanaf de 17e eeuw, met uitzondering van herleefde hofmuziek, nieuwe Noh-toneelstukken en het werk van avant-gardistische componisten na de Tweede Wereldoorlog.
De vroegste gedrukte notaties van koto-, samisen- en fluitstukken uit de Tokugawa-periode zijn te vinden in de Shichiku shōshinshū (1664), de Shichiku taizen (1685) en de Matsu no ha (1703). Hoewel veel secties van dergelijke collecties alleen de teksten van liedjes bevatten, lopen bepaalde stukken onder elkaar parallel met de lijn van woorden met getallen die strings op de koto of vingerposities op de samisen vertegenwoordigen, namen van stereotiepe kotopatronen of ezelsbruggetjes voor het specifieke instrument waarmee het stuk is geleerd. Aan het einde van de 18e eeuw ontwikkelden zowel de koto- als de samisen-traditie meer visueel nauwkeurige notaties. De koto-versie (voor het eerst gezien in de Sōkyoku taisho, 1779) gebruikte stippen van verschillende grootte om het ritme aan te geven. In het begin van de 19e eeuw werden snaarnummers geplaatst in kolommen van vierkanten die ritme vertegenwoordigen. De cijfers en vierkanten werden uiteindelijk gecombineerd met het 2 / 4- maatstreepconcept van het Westen, zodat de notaties van beide scholen tegenwoordig, hoewel afzonderlijke systemen, een balans bewaren tussen traditionele en westerse ideeën. Moderne composities proberen hetzelfde te doen, maar voordat die kunnen worden behandeld, moet aandacht worden besteed aan de tradities die verband houden met de andere belangrijke instrumenten uit de Tokugawa-periode.
