Tekening kunst

Portretten

Getekende 15e-eeuwse portretten - bijvoorbeeld door Pisanello of Jan van Eyck - kunnen worden beschouwd als voltooide picturale werken in hun concentratie, uitvoering en verdeling van de ruimte. De heldere, subtiel afgebakende weergave volgt elk detail van het oppervlak en streeft naar realisme. Het profiel, rijk aan details, heeft de voorkeur; lijkt op reliëf, het lijkt op het medaillon. Naast het pure profiel, kwam het driekwartprofiel, met zijn meer ruimtelijke effect, naar voren, om eeuwenlang de klassieke portrethouding te blijven.

De nauwe relatie met de schilderkunst geldt voor vrijwel alle portrettekeningen uit de 15e eeuw. Zelfs zo'n krachtig werk als Dürer's tekening van keizer Maximiliaan ontstond als portretstudie voor een schilderij. Tegelijkertijd belichamen sommige portrettekeningen van Dürer echter duidelijk de laatste fase van een artistieke onderneming, een ambivalentie die ook bij andere 16e-eeuwse portrettisten te zien is. Het werk van Jean en François Clouet in Frankrijk en van de jongere Hans Holbein in Zwitserland en zelfs nog duidelijker in Engeland in dezelfde eeuw verleende een autonomie aan portrettekenen, vooral wanneer een tekening werd voltooid in krijt van verschillende kleuren. De keuze voor het zachtere medium, de contouren, die ondanks al haar nauwkeurigheid minder streng op zichzelf staan, en de fijnere binnentekening met vlakke elementen geven deze tekeningen een levendiger, persoonlijker karakter en accentueren opnieuw hun nabijheid tot schilderen.

In polychromatische krijttechniek en pastel, behield de portrettekening zijn onafhankelijkheid tot in de 19e eeuw. In de 18e eeuw behoorden Quentin de La Tour, François Boucher en Jean-Baptiste Chardin - al deze kunstenaars uit Frankrijk - tot de belangrijkste beoefenaars, en zelfs Ingres, die in de 19e eeuw leefde, gebruikte nog steeds zijn techniek. Bij pasteltekeningen was het portret belangrijker dan alle andere onderwerpen.

Bij de keuze van pose, type en uitvoering wordt portretschilderen, net als andere kunstvormen, beïnvloed door de algemene stilistische kenmerken van een tijdperk. Zo werd de extreme picturale houding van de late barok en rococo gevolgd door een strengere opvatting tijdens het neoclassicisme, dat de voorkeur gaf aan monochrome technieken en ook de speciale vorm van het silhouet cultiveerde, een profielcontourtekening met het gebied zwart ingevuld. De makers van portrettekeningen uit het begin van de 19e eeuw waren onmiskenbaar dank verschuldigd aan hun 15e-eeuwse voorgangers en richtten zich opnieuw op de exacte weergave van details en plastic effecten verkregen door de meest zorgvuldig gekozen grafische media: het dunne, harde potlood was hun favoriete instrument, en ook de zilverpunt werd herontdekt door de Romantici.

Meer geïnteresseerd in de psychologische aspecten van portretten, gaven tekenaars uit de late 19e en 20e eeuw de voorkeur aan de zachtere kleurpotloden die gemakkelijk elke artistieke impuls volgen. Het in beslag nemen van karakteristieke elementen en een adequate vliegtuigweergave wogen daarmee zwaarder dan realistische details. Stemmingselementen, intellectuele spanning en persoonlijke betrokkenheid zijn typische kenmerken van het moderne portret en dus ook van moderne portrettekenen, een kunst die het persoonlijke vakmanschap van de kunstenaar blijft documenteren buiten de kenmerken van verschillende technieken.

Landschappen

Al in de 15e eeuw bereikten ook landschapstekeningen voldoende autonomie zodat het moeilijk is om onderscheid te maken tussen de voltooide studie voor de achtergrond van een bepaald schilderij en een onafhankelijk, op zichzelf staand geschetst landschap. Al in Jacopo Bellini's 15e-eeuwse schetsboeken (bewaard in albums in het British Museum en het Louvre), is er een intiem verband tussen natuurstudie en picturale structuur; in het atelier van Titiaan in de 16e eeuw moeten landschapsschetsen getoond zijn als suggesties voor picturale achtergronden.

Maar het was Dürer die het landschap ontwikkelde als een herinnerd beeld en als autonoom kunstwerk, kortom, als een eigen thema zonder verwijzing naar andere werken. Vooral zijn aquarellen, maar ook de tekeningen van zijn twee Italiaanse reizen, van de omgeving van Neurenberg en van de reis naar Nederland, vertegenwoordigen de vroegste pure landschapstekeningen. Eeuwen moesten voorbijgaan voordat dergelijke tekeningen opnieuw voorkwamen in deze absolute formulering.

Landschapselementen waren ook erg belangrijk in Duitse en Nederlandse tekeningen en illustraties uit de 16e eeuw. De figuratieve voorstelling, die in de meeste gevallen nog steeds bestaat, is formeel behoorlijk geïntegreerd in het romantische bos- en weidelandschap, vooral in de werken van de Donau-school - Albrecht Altdorfer en Wolf Huber bijvoorbeeld. Vaker dan op andere scholen vindt men hier zorgvuldig uitgevoerde natuurgezichten. In Nederland tekende Pieter Bruegel zowel topografische voorstellingen als vrije landschapscomposities, in beide gevallen als autonome werken.

In de 17e eeuw bereikten de natuurstudie en de landschapstekening die daaruit groeide een nieuw hoogtepunt. De landschapstekeningen van de Accademia degli Incamminati (die van Domenichino bijvoorbeeld) combineerden klassieke en mythologische thema's met heroïsche landschappen. De in Rome woonachtige Fransman Claude Lorrain werkte vaak onder de blote hemel en maakte landschapstekeningen met een tot dan toe ongekende atmosferische kwaliteit. Dit type gecultiveerd en geïdealiseerd landschap, ook afgebeeld door Poussin en andere noorderlingen die in Rome woonden (ze werden Nederlandse Romanisten genoemd omdat zoveel kunstenaars uit Nederland in Rome woonden, hun tekeningen van Italië bereikten een bijna etherische kwaliteit), staat in contrast met het onheroïsche, dicht bij de natuur liggende landschapsconcept, dat in eerste instantie door de Nederlanders werd ingenomen bij het weergeven van het landschap van hun geboorteland. Alle landschapsschilders - hun landschapsschilderijen een specialiteit die sterk vertegenwoordigd was in de artistiek gespecialiseerde Lage Landen - creëerden ook onafhankelijke landschapstekeningen (Jan van Goyen en Jacob van Ruisdael en zijn oom en neef bijvoorbeeld), waarbij Rembrandt opnieuw een bijzondere positie innam.: door de kenmerken van een regio vast te leggen, vaak met slechts een paar slagen, versterkte hij ze zodanig dat ze zelfs in het kleinste formaat monumentale expressieve kracht verwerven. In het 18e-eeuwse Italië werd de topografisch getrouwe landschapstekening steeds belangrijker met de komst van de Vedutisti, de leveranciers van 'opvattingen', die zelf een groep vormden (waaronder Giambattista Piranesi en Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) en vaak aan het werk met zulke optische hulpmiddelen als het roosterframe en camera obscura. Landschapstekeningen met grotere artistieke vrijheid, evenals denkbeeldige landschappen, werden het meest succesvol gemaakt door enkele Franse kunstenaars, waaronder Hubert Robert; picturaal en sfeervol bereikten deze thema's een tweede bloei in het penseelgetekende landschap van Engelse kunstenaars als Turner en Alexander Cozens, wiens invloed zich tot ver in de 20e eeuw uitstrekt.

Gezien hun grote interesse in afbakening, observeerden de 18e-eeuwse tekenaars van het neoclassicisme en, meer nog, van de romantiek de natuur met topografische nauwkeurigheid. Als een nieuwe 'ontdekking' nam de romantisch en heroïsch overdreven Alpenwereld nu zijn plaats in de geest van de kunstenaar in, naast het arcadische uitzicht op het Italiaanse landschap.

Landschapstekeningen en nog meer aquarellen vormden in de 19e eeuw een onuitputtelijk thema. De Franse kunstenaar Jean-Baptiste-Camille Corot en, tegen het einde van de eeuw, Cézanne en van Gogh, behoorden tot de belangrijkste makers van landschapstekeningen. Landschappen maakten deel uit van het werk van veel tekenaars uit de 20e eeuw, maar gedurende een groot deel van de eeuw stond het genre als zodanig op de tweede plaats bij algemene vormproblemen, waarbij het onderwerp slechts als uitgangspunt werd genomen. In de laatste 30 jaar van de 20e eeuw keerde een groot aantal Amerikaanse kunstenaars echter terug naar representatie en herinvesteerde zo opnieuw in het landschap als onderwerp.

Figuurcomposities en stillevens

Vergeleken met de hoofdthema's van autonoom tekenen - portret en landschap - zijn alle andere van minder belang. Figuurcomposities zijn sterk afhankelijk van het schilderij van hun tijd en zijn er vaak direct mee verbonden. Er waren zeker kunstenaars die in hun tekeningen de thema's van de monumentale schilderkunst behandelden, zoals de 17e-eeuwse graveur en etser Raymond de La Fage; in het algemeen is het artistieke doel van figuurcompositie echter de afbeelding, waarbij de tekening slechts een nuttig hulpmiddel en een tussenstation vertegenwoordigt. Genrescènes, vooral populair in de 17e-eeuwse Lage Landen (zoals gedaan door Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade en Jan Steen) en in het 18e-eeuwse Frankrijk en Engeland, kregen een zekere onafhankelijke status. Ook in de 19e eeuw waren er tekeningen die verhalen over het dagelijks leven vertelden; ze zijn vaak illustratief van aard en kunnen "kleine afbeeldingen" worden genoemd, niet alleen vanwege het vaak veelkleurige formaat, maar ook vanwege hun artistieke uitvoering.

Ook stillevens kunnen aanspraak maken op autonome tekeningen, vooral de voorstellingen van bloemen, zoals die van de Nederlandse kunstenaar Jan van Huysum, die al sinds de 17e eeuw populair zijn. Ook hier geldt weer dat een goed ontworpen opstelling een onmiddellijke natuurstudie omzet in een picturale compositie. In sommige van deze composities is de gelijkenis met schilderen erg sterk; de pastelkleuren van de 19e en 20e-eeuwse kunstenaar Odilon Redon bijvoorbeeld, of het werk van de 20e-eeuwse Duitse expressionist Emil Nolde, overschrijden met hun chromatische intensiteit de scheidslijn tussen tekenen en schilderen. In stillevens, zoals in landschappen, zijn autonome vormprincipes belangrijker voor moderne kunstenaars dan de feitelijke verklaring.

Fantasievolle en niet-representatieve tekeningen

Tekeningen met denkbeeldige en fantasievolle thema's staan ​​meer los van de externe realiteit. Droomverschijningen, metamorfosen en de verstrengeling van afzonderlijke niveaus en realiteitsgebieden zijn traditionele thema's. De laat 15e-eeuwse fantasmagorische werken van Hieronymus Bosch zijn een vroeg voorbeeld. Er zijn allegorische boerentaferelen van de 16e-eeuwse Vlaamse kunstenaar Pieter Bruegel en de carnavalsetsen van de 17e-eeuwse Franse kunstenaar Jacques Callot. Anderen wiens werken illustreren wat kan worden gedaan met tekenen buiten landschap en portretten zijn: de 18e-eeuwse Italiaanse graveur Giambattista Piranesi, de 18e-eeuwse Anglo-Zwitserse kunstenaar Henry Fuseli, de 19e-eeuwse Engelse illustrator Walter Crane, de 19e-eeuwse Fransman Symbolistische kunstenaar Gustave Moreau en de 20e-eeuwse surrealisten.

Niet-representatieve kunst, met de reductie van de basiselementen van het tekenen - punt, lijn, vlak - tot pure vorm, bood nieuwe uitdagingen. Door afstand te doen van associatieve lichamelijke en ruimtelijke relaties krijgen de ontplooiing van de afmetingen van de tekening en de structuur van de verschillende media een nieuwe betekenis. De grafische kwaliteiten van de lijn in het vliegtuig en het ongemarkeerde gebied waren al eerder benadrukt - bijvoorbeeld in de grotten van Giuseppe Arcimboldo in de 16e eeuw (de fantasievolle of fantastische representaties van menselijke en dierlijke vormen vaak gecombineerd met elkaar en verweven met voorstellingen van bladeren, bloemen, fruit en dergelijke) en in kalligrafische oefeningen zoals moresques (sterk gestileerd lineair ornament, gebaseerd op bladeren en bloesems) - maar meestal als druk- of graveermodellen voor de meest uiteenlopende decoratieve taken (interieurdecoratie, meubels, gebruiksvoorwerpen, sieraden, wapens en dergelijke).