Westerse muziek

Cantate en oratorium

De vooraanstaande Napolitaanse operacomponisten hielpen ook bij de oprichting van de barokke opvolger van het madrigaal - de cantate - die ontstond als een seculiere vorm voor solostem met instrumentale begeleiding. Giacomo Carissimi standaardiseerde de vorm als een kort drama in couplet bestaande uit twee of meer aria's met hun voorgaande recitatieven. De cantate werd in Frankrijk geïntroduceerd door een van Carissimi's studenten, Marc-Antoine Charpentier; Louis Nicolas Clérambault zette de traditie voort in de late barokperiode. Met het vervagende stilistische onderscheid tussen heilige en seculiere muziek, werd de cantate snel omgezet in kerkelijke doeleinden, vooral in Duitsland, waar het de belangrijkste decoratieve dienstmuziek werd voor de Lutherse Kerk. Dietrich Buxtehude en Johann Kuhnau waren twee van de belangrijkste componisten van dergelijke kerkcantates.

Terwijl de nieuwe concertato-technieken werden toegepast op gevestigde vormen van kerkmuziek, zoals de mis, de dienst, het motet, het volkslied en het koraal, kwamen er nieuwe vormen naar voren die duidelijk afwijken van renaissancestijlen en -types. Het oratorium en de decors van het Passieverhaal ontwikkelden zich gelijktijdig met opera en op vrijwel identieke lijnen, bestaande uit recitatieven, aria's, vocale ensembles, instrumentale intermezzo's en refreinen. Emilio del Cavaliere was de "stichter" van het oratorium met zijn La rappresentazione di anima e di corpo (De representatie van de ziel en het lichaam). Geproduceerd in Rome in 1600, gebruikte dit werk, in tegenstelling tot echt oratorium, acteurs en kostuums. Carissimi en Alessandro Scarlatti waren de belangrijkste Italiaanse barokcomponisten van het oratorium, en Heinrich Schütz, een leerling van zowel Giovanni Gabrieli als Monteverdi in Venetië, was de leidende 17e-eeuwse Duitse componist op dit gebied.

Instrumentale muziek

De nieuwe technieken van Le nuove musiche waren te horen in muziek voor instrumenten, vooral nu ze deelnamen aan genres die voorheen waren geschreven voor niet-begeleide stemmen (bijv. Het motet). De vormen en media van instrumentale muziek bleven in wezen hetzelfde, maar met aanzienlijk verschillende accenten. Zo verloor de luit snel de status met de opkomst van het klavecimbel als het meest gebruikte instrument voor continue begeleiding van dramatische producties. Het orgel, als traditioneel kerkelijk instrument, behield zijn positie en nam de evoluerende vormen op.

Wijziging en uitbreiding van oudere vormen

Dansparen van de Renaissance groeiden rond het midden van de 17e eeuw uit tot danssuites die in feite uit vier dansen bestaan: allemande, courante, saraband en gigue, met optionele dansen zoals de gavotte, de bourrée en het menuet dat soms eerder werd ingevoegd het laatste deel. Variatievormen - de chaconne (waarin een reeks harmonieën of een basthema continu wordt herhaald), de passacaglia (waarin het thema wordt herhaald maar niet noodzakelijkerwijs in de bas), samen met de grondbas en variaties op bekende melodieën - bleef populair. Vrije vormen gingen ook door in de patronen van hun renaissance-antecedenten, terwijl ze groeiden in dimensie en inventiviteit. De toccata, prelude en fantasia werden uitgebreid tot multisectionele vormen met behulp van de drie fundamentele instrumentele texturen - imitatief contrapunt, chordale homofonie en virtuoos passagewerk - in combinatie, afwisseling en contrast. De fugavormen uit de renaissance, voornamelijk de canzona en de ricercar, evolueerden geleidelijk tot de laatbarokke fuga, en cantus firmus-composities bleven bloeien als gevolg van hun liturgische functie.

De sonate en het concert

De belangrijkste nieuwe categorieën instrumentale muziek tijdens de barokperiode waren de sonate en het concert. Oorspronkelijk toegepast op instrumentale ensemblestukken afgeleid van de canzona, werd de term sonate de aanduiding voor een vorm die instrumentale muziek zou domineren van het midden van de 18e tot de 20e eeuw. In zijn toetsenbordmanifestatie was het een binaire (tweedelige) structuur vergelijkbaar met een beweging van een danssuite. Voor een klein ensemble ontwikkelde het zich tot een reeks onafhankelijke bewegingen (meestal in een langzaam-snel-langzaam-snel arrangement) genaamd een sonata da chiesa ("kerksonate") of een danssuite genaamd een sonata da camera ("kamer sonate")). Vooral prominent was de triosonate, voor twee violen (of fluiten of hobo's) en cello met continuo. Uiteindelijk werden vergelijkbare vormen aangenomen voor orkest (sinfonia of concerto), voor orkest met een kleine groep aanbevolen instrumenten (concerto grosso) of voor een solo-instrument met orkest (solo-concert). Het fundamentele principe van het concert was dat van contrast tussen instrumentale groepen en muzikale texturen.

Gedurende de hele periode bloeide de klaviermuziek, met name in handen van Jan Pieterszoon Sweelinck in Nederland, Johann Pachelbel en Johann Froberger in Duitsland, Girolamo Frescobaldi in Italië en Domenico Scarlatti in Spanje; in Frankrijk waren de belangrijkste exponenten Rameau en François Couperin.

Instrumentale ensemblemuziek, zowel kamer als orkest, werd gedomineerd door Italianen, voornamelijk uit Bologna, de Bolognese school die componisten produceerde zoals Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi en Giuseppe Tartini. Purcell in Engeland en Couperin en Jean-Marie Leclair in Frankrijk zijn representatief voor de vele componisten in andere landen die werden beïnvloed door Italiaanse modellen van instrumentale ensemblemuziek.